106A191 國際電子音樂創作營-知識分享


Electronic Music Production Worksop

  • 課程細節:Patterns and Emotional Response / 樂句形式與情緒的對應 
         Macro Patterns, Time Divisions and Subdivision / 時間的分割
         Euclidian Rhythms / 節奏幾何
         Playing with Grooves / 帶著律動的彈奏

    講師:英國專業音樂學院London School of Sound(LSS)
    Federico with help from Simon、Ali、Smash 

    講師先行自我介紹,以自身的音樂發展過程及趣事鼓勵學員進取,並請學員分別自我介紹,藉以了解彼此的音樂專長及背景,增進互動與交流。講師並說明這次的課程教學會以作品範例講解創作理論,以及演出時容易遇到的困難。
    學員以每五人一組的分組方式進行課程,並利用每日傍晚的實作討論課分享學習與創作心得,同時諮詢講師們在電子音樂創作上的訣竅與瓶頸。
    利用實際的音樂範例示範說明節奏的結構與特色,以及情緒的表達,進而設計出有趣並帶著律動的彈奏方式。

  • 課程細節:Zombie Chords and Chord Progressions / 呆板的和弦與和弦進行
         Practical Examples of Before and After / 實際示範改變前後的差異
         Re-thinking Electronic Music Performance with a collective approach / 用全面的角度重新思考電子音樂表演

    講師:英國專業音樂學院London School of Sound(LSS)
    Ali、Federico & Simon

    若以樂理創作音樂,有時會淪為呆板的和弦(Zombie Chord),令人覺得單調乏味,沒有吸引力,所以,若想要有更好的聲音,需要多聽不同的音樂樣本,並且從中學習、了解大眾的喜好,然後以自已的耳朵創作,透過將和弦上下左右移動,打破既有的音樂模式,給予音樂不同的感覺,如此一來,便能使聽眾耳目一新,印象深刻。
    若想要靠音樂創作為職業,光只會創作是不行的,必須要讓人知道、認識、喜歡你的音樂,才能有收入,而現場表演就是其中一種方式。電子音樂的現場表演要精彩是有一定難度的,所以必須清楚明白你的聽眾是誰、了解自己的音樂創作風格與方向,以及知道自己為何想要做現場演出,和想要演出的模式是什麼。
    不同的觀眾會有不同的喜好,必需思考若長時間以同樣的模式演出,觀眾會買單嗎?在表演時,演出的設備很重要,以前,上了舞台總需要搭配各種設備才能完整演出,而現在,大多只要一台機器便能搞定,但要有額外的預備,以防不時之需。
    不管如何,表演的最終目的就是要有人欣賞你所創作的音樂,進而想認識你這位音樂創作者、甚至成為你的粉絲,然後再把你的音樂分享給朋友,使你的音樂大眾化。

  • 課程細節:Critical Listening and Deconstruction Skills / 批判性的傾聽與建構的技巧
         Practical Demonstration / 實際演示
         Practical Applications and Work Opportunities / 實際的應用和工作機會
         Interview with DJ Smasherelly / 訪問DJ Smasherelly
         DJ Smasherelly Production Techniques / DJ Smasherelly創作的技巧

    講師:英國專業音樂學院London School of Sound(LSS)
    Ali、Federico & Simon 

    從事電子音樂,除了現場演出執業外,亦可成為幕後工作者,例如為廣告商重製原曲,也是一種電音創作人執業,相對收入也較為高,但若要把所聽到的音樂重製的話,因涉及原創版權和出版權,很重要的是,必須要先得到版權所屬者的許可才能使用,即使是youtube裡的音樂,也必須得到youtube許可才能使用。
    在空閒時可把聽到能免費下載的音樂輸入到設備中分析,進而挑戰自己做出相似的音樂樣本,累積經驗的同時,也能將樣本使用在不同音樂領域,之後,可能就會有經紀人或唱片公司找你合作了。若時間不允許自己做樣本音樂,可拿現成的來進行創作以節省時間,續將所做的樣本音樂集結在一起,在自己使用的同時也使他人所用,亦可成為另一個收入來源。但音樂事業可說是人的事業,單打獨鬥的創作之路容易讓人遠離夢想,所以建議以團隊的方式合做,各司其所長並互動交流,便能做出更與眾不同的音樂。
    透過面談方式,DJ Smasherelly於現場分享,從傳統DJ轉型到使用先進軟體創作並將之融入現場演出的DJ音樂人過程。於課程中說到,從0個到100個創作的過程,是要靠個人的音樂能力展現和對音樂的熱誠與執著,也就是透過持續不斷全心投入創作和抓住每個表演及分享自己音樂的機會,那怕只是表演場地的保全或工作人員或寥寥數人觀眾,都要與他們交流不要放過,因為其中就可能會有你的伯樂,從欣賞你開始,到最後願意花錢去買唱片或買票去看你的演出,進而使你大放異彩。

  • 講師:日本製作人/DJ ☆Taku Takahashi

    ☆Taku Takahashi以活潑及互動的方式與學員們分享他的音樂創作理念,並透過與學員共同即興創作,讓學員親身體驗如何做音樂樣本和創作,大家利用現場既有的樂器,創造出多元的音樂元素,並發揮創意混合成新的節奏,共同完成一首即興創作作品。
    作品完成後,☆Taku Takahashi根據學生在創作過程中所產生的問題,以自身的經驗與技巧引導學員,例如與其他音樂人合作時,他會大略說出想要的音樂形式,然後讓對方自由發揮,再彙集整合一起。☆Taku Takahashi 並強調,不必強行迎合觀眾的喜好,只要真誠的表演自已喜歡的音樂形式,以及利用燈光、效果製造表演亮點,做出屬於自己的特色音樂。

  • 講師:日本製作人/DJ ☆Taku Takahashi

    ☆Taku Takahashi分享如何做現場演奏,以DJ為例說明,在面對大型演出時,DJ會將事先混音好的音樂帶到現場播放,因為人多時的演出場合,距離遠的人無法看到表演者,此時就需要設計燈光並利用效果來凸顯表演亮點,讓現場的觀眾更容易感受到DJ的表演。
    課程中☆Taku Takahashi與學員以音樂接龍的方式合作即興創作,讓學員親自體驗與音樂家合作過程中,學員在☆Taku Takahashi的引導下,各自發揮所長錄製不同的節奏與聲響(如吟唱或饒舌等),最後再把所有學員提供的節奏與聲響,於現場混製成一首電音樂曲,此舉對☆Taku Takahashi和學員來說,都是新鮮體驗和美好互動。
    ☆Taku Takahashi 雖因檔期緊湊需於課後馬上動身趕赴機場,但他認真地將現場這一首與學員的共同創作帶回日本繼續做更細部的混製,並會將所有學員提供的節奏與聲響留給學員們運用。

  • 課程細節:Wavetable Synthesis / 波型合成
         Serum減法合成器(subtractive synthesis) 基本介紹
         Creative Sound Design Techniques / 創意的聲音設計技巧
         深究Wavetable Synthesizer(波表合成器)

    講師:英國專業音樂學院London School of Sound(LSS)
       Federico、Mark

    工作原理:過濾掉(剪切掉)不想要聽到的聲音部分。

    操作方式:振盪器(oscillator)是一切的基礎,能產生不同波型(sine wave, sawtooth/saw, square/pulse wave, triangle wave)的聲音,而各種波形的組合能得到千變萬化的音色,但是振盪器(oscillator)無法創造有生命力的聲音,需要濾波器(filter)來讓聲音變得更豐富,低通濾波器留下較低的頻率,高通濾波器剔除不需要的低頻只讓高頻通過,帶通濾波器(Bend pair filter)只留下截止點周圍的頻率,而截止點就像是頻率的盡頭,超過截止點的頻率就會被濾波器過濾掉。通常我們會藉由調整截止點的波峰使聲音更響亮,而常見的咻咻哇哇聲就是增益波峰後移動截點所產生的,這樣的聲音最後會透過擴大機(amplifier)擴大音量並輸出,而「Envelope」是個特殊元件,能控制特定數值作用的時間,能將時間分為「ADSR」 四部分,以音量為例,若將「Envelope」連接在音量上,則A表示音量到最大值的時間「Attack」,D表示音量到最大值後衰減至延音的時間「Decay」,而這個延音的音量是由「Sustain」控制,但ANSR中指有S的單位是量,其他都是時間,最後「Release」決定手離開琴鍵後聲音消失的時間,「Envelope」不只能控制音量,還可以控制其他參數,將之連結到截止點上,聲音會變得活潑。
    Wave table(波型)是將每種樂器的聲音錄製下来,存儲成音色文件,然後將這些樂器的音色文件記錄在聲卡的内存檔中,當電腦需要聲卡播出某個樂器的聲音時,聲卡就從内存中找出音色並播放出來,Wave Table的聲音播放會比較真實,而且可以做比較多的音效變化。
    Wavetable Synthesizer(波型合成器)是通過對任意周期性波形進行調製製作聲音的合成器,單個波表可以用一連串嘹亮、較不嘹亮然後低沉的聲音(排序中演奏的聲音波形)來模擬濾波器截止(cutoff),這與減法合成器中的濾波器截頻率的衰減相似,非常適合於製作不斷變化、刺耳且具有金屬感或類似響鈴的聲音、強勁的低音以及其他數位音調,但對模擬原聲樂器的表現不是很好。
    透過解構複雜的音樂樣本說明單個波表及其合成的操作方式。

  • 課程細節:Mastering, how far can you push it? / 哪些階段稱為母帶後期製作
         Professional Mixing / Amateur Mixing / 專業的混音 / 業餘的混音

    講師:英國專業音樂學院London School of Sound(LSS)Federico、Simon

    一個好的混音作品,取決於錄音師的實力,也就是在創作一開始便層層把關每個聲音品質,錄得好的聲音素材,對於後面的混音階段,以借力使力的方式所產生的品質和力量,絕對是一個好的混音重要關鍵。
    有品質的混音必需具有好的音樂理念,這樣混音就會變得簡單,多錄幾次備用和加強音色,對於混音師在做音樂調整時有事半功倍的效果。另需要加強訓練自己的聽力和音樂辨識能力,可利用網路上相關的訓練課程,拿不同的音樂做練習。自己混音完成後,請另一位混音師聽,如此不斷的練習,日子久了,便可獨當一面做出好的混音作品。混音作品要乾淨清晰,展現出非常平衡的頻率,也要有好的動態表現及音場設計等。
    而母帶後期處理(mastering)是音樂創作最後的創意關卡發揮,也是最後一個將聲音再潤飾的機會,所追求的是,能夠擁有更棒、更完善的聲音表現,給予聽眾更多的衝擊,並且更直接的傳遞製作人或歌手最初對於音樂詮釋的想法,母帶後期處理不僅僅只是把聲音調大聲而已,而是要平衡音量大小及頻率。講師並使用樣本音樂實際操作,為學員解說母帶後期處理工程處理技巧。

指導單位
中華民國文化部
主辦單位
台北市文化局
執行單位
典選音樂

協辦單位
英國專業音樂學院 London School of Sound(LSS)
 
滾石電音
 
街聲
 
吹音樂